王亚彬 – 留影阁

2013.05.12 – 2013.07.10

新闻稿

在过去的十年里,王亚彬最早一次个展的名字叫做“搜山”,后来有了“我的宝石王”,“大象座”,“意外的芬芳”,“我就是风光”……展览的名字就像那些作品本身一样,总是从漫无边际的虚构世界里忽然浮现,让人们无法预判下一次的样子。
在“留影阁”这个展览里,我们可以在每张画前停留很久,进入一个虚构的地点。时间在那里变成固体,把过去和现在变成瞬间的凝视;空间在那里变成平面,规劝我们支离破碎的野心。每张画都像某个故事的开始,或者结局。于是,“留影阁”也与绘画本身有关,每张画都在浮现的意象和消失的痕迹之间,让开始和结束同时发生,记录某种灵感和随之而来的空虚。在绘画内部的深处,是那些真正值得保留的东西。
记得某位现代主义初期的画家说过:“摄影永远比不上绘画,因为它无法再现天堂和地狱”。今天,宗教的时代已经过去,天堂与地狱的神话,蜕变成最深沉的情感;情感也是一种神话,而绘画是情感的相似物本身。这是今天的绘画最为宝贵的部分。
“留影阁”里的作品显现出的水准与气质,不仅来自情感,也来自画家的深厚沉淀。对艺术家来说,任何知识,技术,或思考,都只是创作的背景。艺术家无法被替代的部分,是一种训练过的直觉,和把它转换成形式的能力。王亚彬的绘画是一个综合体,来自他对生活的体验,对古今美术的感悟,还有丰富的情感和洞察力。每张画的开始与结束,都在丈量画家生命的宽度。
今天,无论在欧美还是中国,很多看似与绘画有关的作品,其实都站在“绘画”这一整体之外,对它进行外在形态的试验和改变,在“绘画的死亡”中延续它的死亡。王亚彬不是为了探索绘画的可能性而创作,他的绘画因此拥有了无限的可能性。他画中的登山者,依偎的情侣,摇曳的树与花,都只因为最简单和最深沉的原因而浮现。它们像是画家自己,在一个熟悉而陌生的“直角平面”里旅行。真正的画家从来不为自己的绘画寻找理由;在一个破碎时代的破碎的艺术世界里,理由显得更加无足轻重,只有绘画本身是重要的。
“休对故人思故国,且将新火试新茶,诗酒趁年华。”绘画和任何艺术形式,都不是来自对艺术史空白的寻找,而是生长于充实的生命。

许晟

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